Pour sa 19e édition, le magazine All About Photo recherchait des œuvres qui explorent la composition et la forme en tant qu’aspect fondamental de l’esthétique photographique.
Au final, vingt-cinq photographes de 13 pays différents ont été sélectionnés pour la qualité de leur approche sur ce thème.
La compréhension de la forme est l’un des piliers de la composition photographique et peut faire en sorte que même les objets les plus banals deviennent des objets d’art à part entière.
Des images et des formes, géométriques, organiques, positives ou négatives, les formes influencent le degré de beauté esthétique perçu lorsque nous regardons une photographie pour la première fois.
Longtemps considérée comme un simple moyen de dupliquer la réalité, la photographie offre aujourd’hui des possibilités illimitées de dépasser les modes traditionnels de représentation.
Gagnant du 1er prix : HsinYa Lin
Cette série intitulée « Dunes de sable » est consacrée au corps humain et à la silhouette qui fait penser à des photographies de paysages. Les lignes courbes et les ombres nous projettent sur une vue du désert au lever du soleil.
2ème place : Klaus Lenzen (Allemagne)
La photo a été prise sur un parking à Moenchengladbach, dans l’ouest de l’Allemagne.
3ème place : Martine Lemarchand (France)
« Les images de cette série ont été réalisées dans ma cuisine avec des ustensiles (assiette en grès, bol, plat en verre…) et des ingrédients alimentaires (café, sauce soja, œufs, eau gazeuse, matcha bleu, huile…).
J’utilise parfois des pinceaux pour créer des mouvements. Le résultat est un monde à la fois proche et lointain, car j’aspire à créer des mondes abstraits, évoquant une vision d’un « ailleurs « . »
Des images et des formes, 22 photographies particulièrement remarquées par le jury
« La lumière du début et de la fin de journée sur les dunes de sable du parc national de la Vallée de la Mort crée des formes et des ombres uniques.
J’ai cherché des compositions qui mettent en valeur les ondulations et les textures du sable créées par la lumière. Mon choix du monochrome a permis de créer du contraste entre l’ombre et la lumière. »
« La première fois que j’ai regardé d’un hélicoptère les rivières glaciaires tressées en Islande, j’ai été fasciné. Mère Nature m’a étonné avec sa fabuleuse palette et ses incroyables dessins – ils ressemblaient à des rivières en feu, des veines humaines ou des arbres de vie.
Les éléments de l’eau, du gravier, du sable et des sédiments s’entremêlent pour créer des îles et des canaux alors qu’ils coulent vers la mer – connus sous le nom de cônes alluviaux. Je me suis tellement immergé dans les motifs que j’ai perdu tout sens de l’horizon et me suis fondu dans le paysage.
Mes yeux se sont ouverts à une nouvelle façon de voir la beauté de notre incroyable planète vue d’en haut. »
« Le train du Docklands Light Railway de West Silvertown à Canning Town dans l’est de Londres, au Royaume-Uni. Pris depuis
un téléphérique en mouvement qui traverse la Tamise. J’ai remarqué que la lumière de fin de soirée montrait la forme des lignes de chemin de fer et je me suis donc concentré sur elles et le train, et rien d’autre. »
« Ces photos ne sont pas seulement des photos de fleurs, elles sont une ode à la vie organique et élémentaire, ainsi qu’une ode au cycle de la vie, qui célèbre la naissance et la mort.
Je mets l’accent sur le caractère éphémère, mais aussi sur la beauté de toutes les étapes de la vie ».
« Un ballon est souvent perçu comme une image enfantine, qui peut instantanément faire sourire n’importe qui. Pourtant, une fois de plus, j’ai été attiré par la forme et ce qui se passerait si je la changeais.
En coupant cet objet et en les superposant, j’ai réalisé que ces morceaux de caoutchouc se complétaient agréablement. Chaque couleur ajoute une profondeur et une perspective qui n’étaient pas présentes auparavant.
Mon but était de défier le spectateur, de voir au-delà du ballon lui-même, et de découvrir ce qu’il pouvait représenter d’autre. »
Des images et des formes : « Dans cette série, j’ai voulu montrer la beauté et la force de la féminité d’une manière anonyme et abstraite. J’aime les formes du corps et c’est ce dont il est question dans cette série. »
« Avec l’arrivée de l’automne, les ombres s’allongent, les premières gelées apparaissent, et le vent prend de la force, balançant les feuilles d’un côté et de l’autre avec l’énergie d’une rafale. Les feuilles se dispersent, révélant leurs différences.
Chaque feuille est envoyée sur son propre chemin, frappée par le gel matinal, isolée et détachée. Ces feuilles uniques se dressent au premier plan, contrastant fortement avec la végétation juste en dessous. Elles sont une anomalie dans ce type d’espace.
En utilisant les feuilles comme une métaphore de l’individualité, cette série met le spectateur au défi de se démarquer de la foule et d’être lui-même. »
« La série « Point of view » est composée d’images que j’ai prises d’un point de vue inhabituel, principalement à l’aide d’un drone. J’ai voulu observer toutes sortes d’endroits et de choses d’une manière surprenante, impossible à voir dans la vie de tous les jours.
Les parcs aquatiques sont des endroits parfaits pour ce genre d’images grâce à toutes les couleurs et les formes qui se combinent ensemble. »
« J’ai passé la plus grande partie de ma vie en tant que danseur et chorégraphe, et je constate aujourd’hui que je réagis au monde visuel à travers ce prisme. Dans les formes, je vois la grâce, le mystère, la fluidité et l’émotion.
Dans cette série, Veiled in Light, les feuilles ont créé leur propre danse, une danse exprimée par l’utilisation de la lumière, de la forme, de la texture et de la dimension.
Dans ces images, la lumière et l’obscurité révèlent la sensualité des objets du monde naturel. Travaillant avec une intention minimaliste, j’ai créé cette série pour englober ce que j’aime dans la nature. »
« Créées à l’origine pour réduire la pollution visuelle et se fondre dans l’environnement, les antennes de téléphonie mobile déguisées sont devenues une esthétique acceptée mais artificielle dans nos quartiers et nos paysages. J’ai entrepris une série de voyages à travers l’Ouest américain pour documenter la variété des conceptions de tours et pour explorer la question suivante : jusqu’à quel point sommes-nous prêts à accepter un ersatz de paysage et une nature fabriquée en échange d’un service de téléphonie mobile de qualité ?
Les pylônes sont dissimulés de manière très créative. Ils imitent souvent des arbres tels que des conifères, des palmiers, ou des saguaros (Nom amérindien du cactus). Certains piliers servent à d’autres usages, comme des mâts de drapeau ou des croix d’église. En général, les tours ne sont que des simulacres. Ce sont des châteaux d’eau qui ne contiennent pas d’eau, des moulins à vent qui ne fournissent pas d’énergie, et des arbres qui ne fournissent d’oxygène. Pourtant, ils fournissent tous du réseau. »
« Le confinement a été très difficile à vivre. Le fait d’être confiné dans nos maisons, normalement des endroits que nous connaissons bien, nous a semblé de plus en plus surréaliste par excès de familiarité. J’ai exploré ce concept en prenant des objets quotidiens et en les utilisant pour construire quelque chose de plus abstrait.
J’ai mis l’accent sur la couleur et la forme pour modifier notre perception de la façon dont ils seraient normalement perçus. Ce travail se compose de plusieurs mini-projets. Chacun d’entre eux a utilisé des matériaux domestiques pour explorer des thèmes tels que la forme, la géologie, la texture et l’abstraction. »
Des images et des formes, la composition abstraite que Marlou a créée se compose de blocs de bois faits à la main qui sont normalement utilisés comme pièces d’artisanat pour l’impression sur des textiles.
Frappée par la beauté de ces blocs, qui ont été conçus par Nathalie Cassee, Marlou a cherché une composition unique et équilibrée. Elle a créé une nature morte en jouant avec les formes, les lignes, la profondeur, la lumière et l’ombre.
Les éléments détachés sont positionnés de manière délicate et forment un ensemble cohérent dans lequel le mouvement vous guide. Les formes géométriques semblent flotter et renforcent ainsi la pureté de la composition.
A study of fragility est un projet photographique qui documente et conceptualise l’aspect de la fragilité en tant que condition humaine.
La composition est le point clé et s’attache conceptuellement à un message très spécifique pour le spectateur. Le projet est un hymne à la fragilité et vise à faire comprendre au spectateur combien il est important de ne jamais exclure cet aspect de notre vie humaine, mais plutôt de le mettre en valeur et de le considérer comme une valeur ajoutée donnée à ceux qui ont la sensibilité nécessaire pour l’accepter.
L’œuf devient un symbole de résilience afin que le spectateur apprenne que de la fragilité peut naître une forme encore plus grande de perfection et de force intérieures.
Poetry of Silence XVI-3 © Roland Blum / Winner All About Photo Magazine #19 Shapes
Poetry of silence est un projet au long cours de photographie aérienne du désert réalisé dans le désert du Namib et ses environs.
La série a été créé dans les zones reculées du nord du namib. les images ont été prises avec un appareil photo haute résolution à environ 1500 mètres au-dessus du sol à l’aide d’un hélicoptère.
Le désert du Namib est souvent considéré comme le plus vieux désert du monde. Il existe depuis environ 43 millions d’années, restant inchangé dans sa forme actuelle pendant les 2 derniers millions d’années. Son nom est dérivé de la langue Nama, qui signifie « une zone où il n’y a rien ».
Un cairn est un amas artificiel de pierres placé à dessein pour marquer un lieu particulier. Le terme vient du gaélique écossais : càrn.
Les cairns sont utilisés à des fins diverses. Dans les temps modernes, les cairns sont souvent érigés comme points de repère. Ils sont utilisés depuis l’Antiquité, et dans de nombreuses régions du monde, les cairns sont utilisés pour marquer les sentiers. Ils varient en taille, allant de petits marqueurs en pierre à des collines artificielles entières, et en complexité, allant d’amas de roches coniques lâches à des sculptures délicatement équilibrées et élaborées.
Les cairns peuvent être peints ou décorés, que ce soit pour une meilleure visibilité ou pour des raisons religieuses.
« Cette série capture l’incroyable murmure de milliers d’étourneaux en vol synchronisé. Les oiseaux forment des formes étonnantes dans leur mouvement commun, en constante évolution et en perpétuel changement, pour créer des configurations de plus en plus complexes et belles.
J’ai eu l’occasion d’observer cette performance aérienne à couper le souffle le 1er janvier 2021, marquant ainsi le début de la nouvelle année avec espoir et inspiration. »
« Cette série est, en partie, une tentative de traduire certains de mes travaux universitaires sur la philosophie de l’environnement en format visuel. Mon projet global vise à réfléchir sur l’expérience contemporaine d’habiter dans espaces « artificiels » et largement construits.
Nos ancêtres vivaient dans des espaces imprégnés de paysages naturels, des montagnes, des vallées, des cieux ouverts, etc. Ils étaient entourés d’organismes spontanés, renouvelables,
et autosuffisants.
À l’inverse, du fait de la modernité, nos paysages visuels sont désormais largement colonisés par des structures massives, cubiques et monolithiques, ainsi que par des cieux restreints, perturbés ou autrement occultés.
Par-dessus tout, nous nous sommes entourés d’un éventail apparemment sans fin de constructions presque exclusivement humaines. C’est le contraste central entre la modernité et les modes d’habitation de nos ancêtres.
Et ici, nous trouvons une beauté stupéfiante mélangée à une certaine appréhension, oppression et brutalité. J’espère que mes photos parviendront à capturer cette dualité dans le paysage urbain contemporain. »
« La série est un projet personnel inspiré du peintre Giorgio de Chirico. Le projet évoque une atmosphère nostalgique avec des arcades vides, des tours, des mannequins, disposés ensemble pour créer un monde surréaliste qui transmet un sentiment de puissance et de liberté. »
« Rencontre avec l’ombre
Je suis assise dans mon jardin et je regarde la vie se fragmenter. La pandémie, la politique, et les blessures personnelles contribuent à un surréalisme échevelé. Ici, je déconstruis la photographie, ne laissant que l’ombre. Une manière de décrire mon état d’esprit en ces temps troublés. »
« Cette image a trait à la forme de l’œil. Prise avec un objectif fisheye, elle représente la forme de l’œil et le halo de lune correspond à la pupille. »
« J’aime l’idée de l’image impossible, l’idée qu’il n’y a pas de limites pour créer une image qui est dans ma tête.
Mes compositions deviennent comme un autre monde où les figures corporelles sensuelles fusionnent avec l’environnement et se transforment pour devenir de nouvelles structures composites.
Mes mondes imaginaires éloignent le spectateur de ses points de vue habituels car il est impossible de savoir où se trouve l’œil du photographe par rapport aux sujets. »
All About Photo invite les photographes passionnés du monde entier à partager leur travail dans son édition imprimée.
Chaque numéro est consacré à un thème particulier. Chaque édition réunit une galerie d’images inspirantes, en mettant l’accent sur chaque artiste ayant sa propre expérience à partager.
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